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Abstract: Artisti, critici, galleristi, musei... sono solo alcuni dei termini che fondano l'arte contemporanea come sistema. Ma come orientarsi nel labirinto di significati che il linguaggio della bellezza è capace di articolare? Come districarsi tra le proposte di un mercato in cui il concetto di profitto ha a che fare prima di tutto con l'immaginario? Questo libro, abbattendo decenni di esclusivismo, offre agli appassionati o ai semplici curiosi la possibilità di muoversi con cognizione di causa nel variegato mondo dell'arte contemporanea. Un'agenda dedicata agli appuntamenti irrinunciabili e alle informazioni pratiche. Un viaggio dietro le quinte dei prodotti culturali alla ricerca del giusto equilibrio tra estetica e prezzo, compiuto raccontando le storie insolite di chi ce l'ha fatta: grandi collezionisti in grado di trasformare il loro gusto personale in un affare e la loro sensibilità in un investimento dal valore insospettabile.

Abstract: L’artoteca è un servizio pubblico per far conoscere l’arte contemporanea e renderla accessibile a tutti gratuitamente.Il costo di un anno di servizio di prestito d’opere d’arte è inferiore a quello necessario all’organizzazione e allestimento di una mostra temporanea con catalogo.Allora perché le artoteche non sono diffuse in Italia? E a cosa servono?All’interno di Multiplo, il nuovo centro cultura del Comune di Cavriago (RE), è stata aperta la prima artoteca pubblica e gratuita dell’Emilia Romagna: 32 ore di apertura settimanali, 150 opere incorniciate disponibili per il prestito gratuito, didattica dell’arte per adulti e ragazzi, incontri con gli autori.Un servizio culturale dove l’arte contemporanea diventa alla portata di tutti, indipendentemente dalla condizione economica, dalla professione o dal titolo di studio degli utenti.Aprire un’artoteca è facile.In questo libro le idee e le esperienze di chi lo ha fatto.

Abstract: Che cosa fa di un'opera d'arte un capolavoro? Un capolavoro è l'espressione più alta del genio di chi l'ha realizzato, ma al tempo stesso è capace di raccontare un'epoca, un mondo, una realtà e un modo di sentire. Questo è un libro che va alla ricerca di chiavi meravigliose e misteriose per intrepretare quelle opere e la loro grandezza. Si spingerà a ritroso, fino alla metà dell'Ottocento, perché è lì che affondano le radici di quello che dell'arte, oggi, ci lascia a bocca aperta: partendo dalla scandalosa nudità di Olympia, passando attraverso il gorgo folle del campo di grano di Van Gogh, cercando di penetrare i grovigli della mente dell'uomo che urla nel pastello più famoso di Munch, per rilassarsi poi tra le bottiglie di Morandi. Si cercherà di capire perché quel ragazzino dispettoso che sichiamava Piero Manzoni è diventato così importante, pur avendo vissuto così poco e, per di più, inscatolando le proprie feci e facendo quadri bianchi. Con lui e poi con Burri, Castellani, Boetti, Schifano e Pomodoro, questo libro percorre la penisola ricostruendo, da un'opera all'altra, le tappe imprescindibili della storia d'Italia.

Abstract: Sono passati cento anni da quel lontano 1917, anno in cui fece la sua comparsa e destò scandalo l'orinatoio rovesciato di Marcel Duchamp. Ma in che cosa si differenzia l'arte contemporanea da quella del passato? Molti sono i punti di divergenza, come la preminenza dell'idea sulla realizzazione, l'onnipotenza dell'artista, la negazione della bellezza, l'importanza del sistema dell'arte e dunque dei personaggi che si muovono tra l'artista e il pubblico, i nuovi spazi espositivi e i criteri di allestimento. Partendo da questi presupposti si sottolinea l'impossibilità di catalogare l'arte del presente secondo i criteri usati per quella del passato e se ne rintracciano di nuovi. Sono, in questo caso, criteri emotivi. Gli artisti e i movimenti più importanti di questi cento anni sono divisi, in questo agile manuale, in dieci grossi blocchi tematici con titoli scelti per suggestioni, a cui corrisponde, in alcuni casi, anche una sostanziale affinità temporale. In questo viaggio attraverso un secolo di artisti e le loro opere, l'importante è non farsi spaventare, ma anzi, lasciarsi sedurre dalle idee, dalla varietà degli stimoli visivi, e non solo. Per capire l'arte contemporanea è sufficiente procedere con ordine, affidandoci alla storia dell'arte, sì, ma anche al puro godimento della fruizione, a sensibilità, intuito ed emozioni

Abstract: Calzini sporchi, palloni gonfiabili, squali in formaldeide, asini tassidermizzati, e poi sassi gettati per terra, tanta pornografia e molta coprofilia. Dissacrazione, nonsense, divertimento inutile sembrano le nuove categorie dell'arte contemporanea, in cui solo il mercato definisce il valore di un'opera, e ogni giudizio estetico è bandito. Nessun problema se questa nuova arte non aspirasse al paragone con l'arte della Tradizione, a confrontarsi con i grandi del passato. Per essa bisognerebbe trovare un nuovo nome, una nuova categoria per una nuova tassonomia in cui comprendere tutte quelle cose brutte, insensate, spesso mal formate, che però si autodefiniscono arte. Per quest'ultime, Angelo Crespi s'inventa il termine sgunz, affondando la lama dell'osservatore disincantato e competente nel marcio dell'attuale sistema: critici, curators, galleristi, giovani e vecchi artisti di fama, tutti al tempo stesso vittime e fautori di un meccanismo che non fa altro che perpetuare se stesso. Sulla scia di una consolidata scuola di pensiero che va da Robert Hughes a Jean Clair, un pamphlet che si pone come un manuale di sopravvivenza in una giungla sempre più intricata, una scialuppa di salvataggio per chiunque senta di aver perso la bussola, per chi naviga controcorrente e crede ancora nell'arte. Quella vera.

Abstract: Lisa ha dieci anni e vive a Parigi con i genitori quando un giorno, all'improvviso, i suoi occhi smettono di vedere. I primi accertamenti al pronto soccorso non rilevano nulla di anomalo e dopo qualche ora di angoscia la vista sembra tornata. L'oculista è convinto che la bambina necessiti di un consulto psichiatrico, ma il nonno di Lisa, Henry, un vecchio burbero e determinato, è di tutt'altro avviso: se la bambina rischia di perdere la vista, l'unica vera urgenza è mostrarle tutto ciò che di più bello l'uomo ha creato. E così, ogni mercoledì, subito dopo la scuola, fingendo con i genitori di portarla dallo psichiatra, il nonno accompagna la nipote a visitare alcuni tra i più importanti musei del mondo: il Louvre, il Museo d'Orsay, il Beaubourg sono scrigni di meraviglie che si schiudono davanti allo sguardo di Lisa e della sua specialissima guida. Osservando incantati le cinquantadue opere che scandiscono il romanzo, scoprendo la cifra stilistica di un artista, commovendosi davanti all'ineffabile spettacolo di un Leonardo o di un Degas, di un Botticelli o di un'installazione di Marina Abramovic, nonno e nipote compiono un viaggio nel mistero della bellezza, nell'enigmatica capacità dell'arte di mettere a nudo l'animo umano, che cambierà la vita di entrambi. E insieme anche la nostra.

Abstract: Nel percorso compiuto dall'arte per raffigurare il corpo, il volto e l'anima dell'uomo, l'immagine dell'amore occupa un ruolo centrale. Se la letteratura e la filosofia hanno da affrontato il tema con straordinaria profondità, le arti visive hanno dovuto concentrare tutto nell'istante di una sola immagine; per questo sono state a lungo attratte dall'eros. Più arduo si è rivelato il cammino che ha portato alla raffigurazione delle infinite sfumature dell'amore attraverso le fattezze umane, ma la pittura e la scultura si sono dimostrate all'altezza della sfida, dando vita a veri e propri capolavori di introspezione psicologica. Flavio Caroli ci accompagna in un viaggio che prende le mosse dalla sensualità pagana degli affreschi pompeiani e ha il suo punto di svolta con Leonardo da Vinci. Giorgione e Raffaello sono gli artisti che scolpiscono per la prima volta la psicologia nei volti dell'amore. L'amore sacro e quello familiare del Cinquecento, l'amore naturale della pittura seicentesca e settecentesca, l'erotismo lieve e carnale di Antonio Canova e quello magico e intenso di Francisco Goya, il bacio romantico e risorgimentale di Francesco Hayez, l'ossessivo tentativo di cogliere l'invisibile attraverso il visibile di Edgard Degas, segnano le tappe di un percorso che vedrà le sue colonne d'Ercole sulla soglia del XX secolo, quando l'inconscio freudiano entrerà con prepotenza nella cultura occidentale.

Abstract: È una visione globale di un mondo artistico rimasto inesplorato da parte degli europei. Sono fenomeni estesi su un territorio vasto, variegato e fertile nelle sue componenti, riconducibili a denominatori comuni, ma nel rispetto delle singolarità di ogni artista. Una vasta documentazione iconografica arricchisce questa opera unica, di uno storico che ha dedicato la sua ricerca all'arte latinoamericana.

Abstract: In quest'opera vengono presentate le opere dell'arte francese che vanno dalla metà dell'Ottocento ai primi decenni del secolo successivo, conservate nel museo sudafricano di Johannesburg: 40 opere - tra dipinti e lavori su carta di quel tempo favoloso che in Francia vide l'affermarsi della scuola di Barbizon prima, dell'impressionismo poi e delle varie correnti che proprio dall'impressionismo trassero le loro mosse. Tempo impressionista che in mostra è accompagnato da opere molto belle di Fantin-Latour, Degas, Boudin, Jongkind, Guillaumin, Monet, Morisot, Pissarro, Sisley, Van Gogh, con il contrappunto delle sculture di Rodin. Il volume è il catalogo della mostra di Belluno (Palazzo Crepadona, 11 ottobre 2003-15 febbraio 2004).

Abstract: La nuova guida ufficiale ai capolavori del rinnovato MoMA, il museo di Arte Moderna di New York. 350 capolavori - dipinti, sculture, disegni, stampe, installazioni, video ma anche oggetti di design e fotografie - dei maggiori artisti dalla fine dell'Ottocento alla fine del Novecento forniscono una panoramica esaustiva delle straordinarie collezioni di uno dei principali musei d'arte moderna del mondo. Fondato nel 1929, il MoMA offre la più importante e completa collezione di opere d'arte europea e americana del XIX e XX secolo.

Abstract: Quando contenuti psichici vengono proiettati su una superficie pittorica, il loro valore espressivo e simbolico comune rivela - tramite la creatività - le leggi universali della creazione. Attraverso l'analisi delle proporzioni, dei colori, della prospettiva, dei numeri, dell'equilibrio e della luce lo spettatore può divenire consapevole del significato del gesto pittorico e capire il perché delle sue emozioni, d'ammirazione o di biasimo che siano, di fronte a un'opera d'arte o a qualunque altra rappresentazione figurativa. Immagini moderne, quelle della tradizione antica o immagini sorte spontaneamente dall'inconscio, proposte e analizzate dall'autrice, insegnano qui l'arte del vedere e del comprendere.

Abstract: Un merito universalmente riconosciuto a Vittorio Sgarbi è la sua capacità, il suo talento nel raccontare sia con la scrittura sia verbalmente, la storia dell'arte. Passando da racconti di vita personale a chiacchierate con studenti, a citazioni di Leopardi, Dickinson, Dante e molti altri fino a lezioni su opere d'arte note e meno note, Sgarbi vuole qui rendere omaggio ai due maestri della scrittura d'arte che sono stati i riferimenti principali della sua storia di critico.